Docenti e nucleo artistico

Il metodo · Carlo Cerciello

Grammatica e sintassi dell’essere in scena

Dal saggio di Iari Iovine sul metodo del Laboratorio

Il Laboratorio Teatrale Permanente del Teatro Elicantropo si sviluppa secondo un modello triennale, costruito su una concezione del teatro come pratica trasformativa, in cui la tecnica è messa al servizio di un processo esperienziale e consapevole.

Nel primo anno, si lavora sulla decostruzione e successiva rielaborazione del proprio essere in scena. Gli allievi vengono guidati a spogliarsi dalle sovrastrutture espressive e comportamentali, in un percorso che prevede esercizi di svuotamento, silenzio, ascolto e presenza. Si sperimentano situazioni sceniche in cui l’attore è chiamato a “stare” nel vuoto, sotto lo sguardo altrui, senza agire, oppure a recitare testi privi di intenzione per liberare la voce da automatismi e retoriche. L’obiettivo è sviluppare una percezione autentica della propria presenza, imparare a sospendere il giudizio e superare l’inibizione. Al contempo, si acquisiscono strumenti tecnici fondamentali, come nozioni di prossemica, ritmo, respirazione, aptica e azione scenica.

Il metodo · Imma Villa

Dal testo al personaggio

Lettura all’impronta, costruzione del personaggio, relazione in scena

Il laboratorio nasce dall’idea che il testo teatrale o la pagina letteraria non siano parole da imparare a memoria ma materia viva da esplorare.

Più che un corso tradizionale, il percorso si configura come un vero e proprio laboratorio di artigianato umano e scenico. L’intento non è trasmettere una nozione astratta di “recitazione”, bensì accompagnare ciascun allievo, prescindendo dall’età o dall’esperienza di partenza, nel processo organico di costruzione del personaggio, offrendo gli strumenti tecnici ed emotivi necessari per abitare con consapevolezza la parola e lo spazio.

Oltre alla lettura e all’analisi dei testi, con una particolare attenzione alla grande drammaturgia napoletana (Enzo Moscato, Annibale Ruccello, Francesco Silvestri, Manlio Santanelli, Fabrizia Ramondino e altri), si lavorerà sul rafforzamento dell’ascolto e della relazione, trasformando ogni scambio in un momento di autentica connessione e scoperta condivisa.

Il metodo · Cecilia Lupoli

Il corpo dell’attore in scena

Tecniche di movimento, concentrazione ed espressione corporea per l’attore

Il training è uno spazio di ricerca e scoperta, in cui esplorare i limiti e le potenzialità del corpo, delle idee e delle intuizioni. Il percorso insieme è volto a sviluppare presenza, ascolto e libertà espressiva, attraverso una maggiore consapevolezza del proprio corpo.

L’allenamento è una tappa fondamentale nella preparazione dell’attore e nell’abitare pienamente la scena.

Il metodo · Aniello Mallardo

Semiotica della recitazione

Dal saggio di Iari Iovine sul metodo del Laboratorio

Aniello Mallardo, docente di ‘Semiotica della recitazione’, è uno dei testimoni più emblematici della continuità e dell’evoluzione della scuola fondata da Carlo Cerciello. Il suo percorso inizia nel 2006 come allievo del Laboratorio e, in modo progressivo e coerente, attraversa molte tappe della formazione: attore, assistente alla regia e infine, da circa dieci anni, docente di una disciplina da lui stesso formalizzata e integrata nel programma triennale del Laboratorio Permanente, la semiotica della recitazione.

Questa parabola, che si è sviluppata senza interruzioni a partire dal 2006, ha prodotto un impianto pedagogico personale e stratificato, frutto di un confronto costante con la scena, con i grandi maestri del teatro e con le teorie della comunicazione. Mallardo non si è limitato a trasmettere saperi ricevuti, ma ha elaborato un linguaggio formativo orientato alla comprensione dei segni scenici come atti di significazione e relazione. Dopo un iniziale periodo come assistente di Cerciello, nel quale seguiva indicazioni registiche e linee pedagogiche preesistenti, ha avvertito l’assenza, all’interno del Laboratorio, di un lavoro sistematico sui codici non verbali e paraverbali. Da questa mancanza ha preso forma il suo campo d’indagine, strutturatosi nel tempo come un percorso originale e riconoscibile, fondato sulla consapevolezza che l’attore è sempre, anche involontariamente, un produttore di significato. «Una semplice disposizione nello spazio», afferma Mallardo, «o un posizionamento corporeo comunica già qualcosa al pubblico, indipendentemente dalle intenzioni degli attori. E questo accade anche se non se ne è consapevoli». In altri termini, la scena è un campo semantico attivo, e il corpo dell’attore è un dispositivo semiotico permanente. Da qui deriva l’esigenza pedagogica, ovvero condurre l’allievo verso una consapevolezza raffinata degli atti che compie, affinché ogni gesto, ogni variazione ritmica o spaziale, non sia l’esito del caso ma della scelta.

Il metodo · Paolo Coletta

Musica e canto per il teatro: il corpo sonoro e lo stato d’animo

Dal saggio di Iari Iovine sul metodo del Laboratorio

Nell’esperienza formativa del Teatro Elicantropo, il corso ‘Musica e canto per il teatro’, condotto da Paolo Coletta a partire dal 2002, si distingue per l’approccio multidisciplinare e teoricamente fondato con cui affronta la questione della vocalità in scena. La sua attività didattica nasce in stretta connessione con il lavoro registico e pedagogico di Carlo Cerciello — in particolare a partire dallo spettacolo Stanza 101, che valse alla compagnia il Premio Ubu speciale — e si sviluppa da subito come un ambito autonomo e sperimentale, centrato sulla soglia fra parola e canto, voce e azione.

Non si tratta, dunque, di un corso di tecnica vocale in senso classico, ma di un laboratorio sul suono inteso come campo espressivo performativo. È un lavoro sulla parola che si fa musica e sulla musica che, perdendo la propria funzione estetica, si trasforma in gesto teatrale. Il punto di partenza è semiologico, ovvero ogni parola, anche nel parlato quotidiano, è portatrice di altezza, intensità e ritmo, i tre assi fondamentali del linguaggio musicale. Da qui nasce il concetto di diagramma vocale, una rappresentazione grafica e percettiva della linea sonora della parola, utilizzata in classe come strumento di osservazione del fraseggio, degli accenti, della direzione sonora implicita nel parlato.

Il metodo · Roberto Azzurro

Tra recitazione e interpretazione: tradurre il pensiero in immagine, corpo e voce

Dal saggio di Iari Iovine sul metodo del Laboratorio

Alla base dell’approccio pedagogico del corso di ‘Tecniche vocali, dizione e recitazione’, tenuto da Roberto Azzurro, vi è una distinzione fondamentale, troppo spesso trascurata: quella tra recitazione e interpretazione. La recitazione è una disciplina precisa, talvolta confusa con la mera partecipazione emotiva o con la cosiddetta “espressività naturale” dell’attore. In realtà, essa non ha a che vedere primariamente con l’emozione, ma con la costruzione tecnica di un pensiero e la sua resa credibile attraverso il linguaggio scenico.

Roberto Azzurro è attore, regista, autore e docente di recitazione. Formatosi nell’ambito del teatro di tradizione napoletana, debutta con Antonio Casagrande e collabora in seguito con registi e interpreti quali Mario Carotenuto, Piera Degli Esposti, Giancarlo Cobelli e Antonio Calenda (di cui è assistente per diversi anni). Dal 2003 è tra i collaboratori stabili del regista Carlo Cerciello e docente del Laboratorio Teatrale Permanente del Teatro Elicantropo. La sua ricerca artistica si fonda su una rigorosa riflessione sull’attorialità, con una particolare attenzione alla trasparenza del linguaggio scenico, alla centralità del testo e alla costruzione di un teatro essenziale, fondato sull’attore come dispositivo espressivo. Tra i suoi lavori più significativi si annoverano messinscene da Shakespeare, Brecht, Pinter, Pasolini, Santanelli, Wilde e Viviani, spesso affrontati in chiave biografica o di riscrittura critica. Il suo teatro si caratterizza per una poetica della presenza e della fragilità, come lui stesso ha dichiarato nel corso dell’intervista: «Il teatro è l’arte più simile alla vita, perché — come la vita — nasce e muore nel momento stesso in cui accade. Ma a differenza della vita, il teatro consente una riscrittura, un ritorno, un margine di consapevolezza».